La Chimère s’appuie sur le réalisme magique

Le dernier film de la réalisatrice Alice Rohrwacher, La Chimère, est une exploration à la fois séduisante et enchanteresse du réalisme magique. Avec une mise en scène assurée et ludique qui témoigne de l’éclat de Rohrwacher tout en rendant hommage aux styles classiques, le film s’imprègne de fantaisie même s’il aborde des sujets plus capiteux. L’écart de classe, l’élite économique et le chagrin sont tous intégrés au fondement de l’histoire. Et pourtant, le film ne perd jamais sa touche fableiste, son œil spirituel et énigmatique trop fort pour plonger pleinement le spectateur dans la gravité de l’intrigue du film.

Josh O’Connor incarne Arthur, un Anglais vivant en Italie pour une période indéterminée. Assez longtemps pour avoir ses racines mais pas assez longtemps pour que son entourage ne l’appelle pas « l’Anglais ». Le drame d’époque se déroule dans les années 1980, où Arthur, un archéologue, dirige une joyeuse bande de vagabonds qui se retrouvent dans un réseau international d’objets étrusques volés. Cependant, leurs activités ne sont ni altruistes ni légales. Au lieu de cela, beaucoup d’entre eux les ont conduits au marché noir, une décision qui a eu des conséquences apparentes. Lorsque le film commence, Arthur vient de sortir de prison et effectue son voyage solitaire pour rentrer chez lui.

Le film garde sa narration clairsemée, préférant les récits visuels et les séquences oniriques pour colorer l’histoire. C’est trop long, avec une seconde mi-temps qui s’étend plus loin que nécessaire. Il y a aussi un côté froid dans La Chimère à cause de tout ce que nous ne savons pas. Cependant, cela donne au film son intrigue naturelle. O’Connor incarne l’homme rebelle à la recherche d’une vie au-delà de lui-même, heureux d’exister même s’il ne poursuit pas activement la vie ou aucun moyen de la maintenir. Ses chaussures sont usées et il dort blotti à côté de petits poêles dans les maisons abondantes. Il porte du linge léger malgré le temps frais, portant des vêtements fins en dessous. Cela vise en partie à démontrer une fracture économique. Mais, plus encore, il dresse le portrait d’un homme se faisant passer pour quelqu’un d’écarté de la société afin que rien ne puisse y rester et qu’on ne puisse rien attendre de lui.

L’intrigue est mince et observationnelle. Nous n’apprenons jamais grand-chose sur Arthur qui existait avant le film. Il y a des bribes, du temps passé en prison. Il y a la mort d’une femme qu’il aimait, dont la mère (Isabella Rossellini) passe ses journées dans les couloirs vides et pleins de courants d’air de sa maison. Le fil rouge du destin attache ses rêves de ladite femme à la terre d’où il est tiré. Sa force gravitationnelle s’est liée aux tombes que lui et son équipe ont creusées. Et d’une certaine manière, le film capture ce personnage comme s’il traversait des mouvements de purgatoire.

«Je pensais que c’était un fantôme», dit quelqu’un en référence à lui. On dit qu’il ne recherche pas les trésors de l’histoire italienne dans un but lucratif. Il y voit plutôt une recherche d’un passage vers « l’au-delà ». Peut-être que ce qui se rapproche le plus de la vie est lorsqu’il est immergé dans les tombes de ceux qui sont décédés et dans les artefacts laissés pour attacher leur âme au monde corporel. Quoi qu’il en soit, son histoire et les allusions au chagrin valent la peine du récit. Tout le reste, y compris une potentielle romance avec un élève sourd de Flora de Rossellini, manque d’énergie. Ce qui est plus intéressant, c’est la façon dont l’étudiante cache ses enfants dans la maison vide de Flora. La narration subtile sur les écarts de classe est perspicace, même si elle aurait pu paraître plus audacieuse en sa présence.

Car l’une des plus belles notes du film est celle où Arthur rencontre un groupe de femmes et leurs enfants debout près de la voie ferrée, vivant dans la gare abandonnée. La station n’appartient à personne. Ou plutôt, cela appartient à tout le monde. Tout comme la vie, elle est temporaire. Ces poches individuelles de l’histoire qui touchent davantage à un thème qu’à un récit linéaire sont là où le film chante.

Même si la direction n’est pas en reste. Il y a une apparente influence néoréaliste dans l’approche de Rohrwacher. Tout, des costumes au montage, témoigne d’un amour évident pour le cinéma classique. La fréquence d’images accélérée, peu utilisée mais efficace, témoigne de l’ère du silence. Le mélange de prises de vue en 35 mm, 16 mm et Super 16 montre le respect du médium et honore le passé. Cela contribue à envelopper La Chimère de mystère. Le film, comme son anti-héros, existe dans un espace entre les temps. Si la touche de modernité est présente, une essence intemporelle donne vie au film.

Ancré par une performance forte et énigmatique d’O’Connor, La Chimère est un autre film saisissant d’Alice Rohrwacher. Des décors décadents et naturalistes à la conception sonore qui tient notre oreille attentive aux volontés de la nature, c’est une histoire forte et pleinement formée qui ne dépérit que sous le poids de son ambition. Quoi qu’il en soit, les points forts sont suffisamment formidables pour permettre de surmonter facilement les lacunes (ou les deuxièmes actes faibles).

La Chimère est maintenant disponible en salles via NEON.