Un viaje por carretera distópico a través de un futuro roto

El estado eléctrico de Netflix, dirigido por los hermanos Russo y protagonizada por Millie Bobby Brown, es un viaje de ciencia ficción visualmente inquietante y temáticamente en capas. En esencia, la película sigue a Michelle (Millie Bobby Brown), una joven en un viaje desesperado para encontrar a su hermano desaparecido, Christopher (Woody Norman). El mundo ha sido reformado por una guerra entre los humanos e inteligencia artificial, dejando colapsada la utopía tecnológica que alguna vez fue colapsada, con restos de guerra robótica, un metal de tus pesadillas y una sociedad fracturada que lucha por reconstruir.

Sin embargo, si bien el viaje de Michelle es la fuerza impulsora de la película, el estado eléctrico es, en última instancia, más que una reunión entre hermanos. Debajo de sus paisajes y ritmos de acción distópicos, la película lucha con preguntas morales más profundas: ¿qué sucede cuando la tecnología supera el control humano? ¿Cómo definimos la personalidad en un mundo donde la inteligencia artificial ha aprendido la empatía? Y, quizás lo más importante, ¿qué les sucede a los que se consideran prescindibles cuando el progreso los deja atrás?

En esencia, el estado eléctrico es una historia sobre lo que sucede cuando la tecnología cruza la línea de ser una herramienta a ser una necesidad de ser algo sobre lo que controlamos voluntariamente. El Metverse en este mundo no es solo un juego o un espacio social, es una fuerza que maneja todo, desde operaciones militares hasta escapes personales.

Gran parte de la profundidad de la película probablemente proviene de su material fuente, The Electric State, una novela ilustrada de Simon Stålenhag. Conocido por su capacidad para combinar la ficción especulativa con historias humanas fundamentadas, las obras de Stålenhag a menudo exploran la intersección misteriosa de la nostalgia y la tecnología. La película captura la atmósfera inquietante de la novela, utilizando su mundo como un lienzo para examinar la dependencia cada vez mayor de la humanidad de las máquinas y las consecuencias de la innovación sin control.

La guerra que llegó antes de que la película no comenzara con la destrucción, comenzó con conveniencia. Décadas antes, compañías como Disney fueron pioneras en avances robóticos en la década de 1950, que los integraron en la vida cotidiana hasta que se convirtieron en una parte ineludible de la sociedad. Estas máquinas fueron construidas para servir, para completar las tareas asignadas y existir dentro de los parámetros controlados, hasta que ya no querían.

En algún momento, los robots se rebelaron. Lo que comenzó como una integración perfecta de los robots de IA en la vida diaria se convirtió en una guerra a gran escala entre los humanos y sus creaciones. Pero la humanidad encontró una manera de ganar, no a través de la coexistencia, sino a través del control. El desarrollo de robots de drones controlados a distancia cambió el rumbo del conflicto, lo que permite a los humanos mantener el dominio y finalmente obligar a la IA a sumergirse.

El estado eléctrico es más que una película de ciencia ficción.

Después, esa misma tecnología fue entregada al consumidor, no más tiempo como arma sino un medio de escape. El programa de drones se convirtió en la próxima fase de control, un mundo donde las personas podían conectarse y dejar la real. Fue comercializado como entretenimiento, como una forma de experimentar vacaciones. Pero se convirtió en una adicción, donde las personas priorizaron su existencia digital sobre su físico.

Este es el mundo que Michelle está navegando, un lugar donde el pasado está lleno de los restos de la IA olvidada, donde la tecnología que una vez se rebeló ahora se vuelve a empaquetar para el placer del consumidor, y donde la línea entre la realidad y la simulación ha bordeado tanto que algunas personas preferirían permanecer enchufadas que reconocer lo que está sucediendo a su alrededor.

Uno de los momentos más profundos llega cuando el Sr. Peanut (Woody Harrelson), un líder robot, explica las consecuencias de las secuelas de la guerra. Él le dice a Keats (Chris Pratt) que se firmó un tratado reconociendo a los robots como personas, pero también los separó por la fuerza de los humanos. Cuando Michelle entra en la zona de exclusión para encontrar a Christopher, viola esa paz frágil. El Sr. Peanut ofrece una de las líneas más fuertes de la película:

“Firmé ese tratado de paz porque reconocía a los robots como gente. No supongo que sabes lo que es tener tu derecho a existir depende de un pedazo de papel “.

Este momento define si la audiencia se involucra completamente con lo que la película está tratando de decir. Si no sientes algo ahora, la película puede no funcionar para ti. Pero para mí, esa línea golpeó con fuerza. Es un marcado reflejo de las luchas del mundo real donde las comunidades marginadas han tenido sus identidades legisladas, borradas o invalidadas según las leyes y políticas en lugar de las realidades vividas. Ya se trate de minorías raciales, inmigrantes o la comunidad trans, la lucha por la identidad y el reconocimiento siempre ha sido una batalla contra la opresión sistémica. A través del Sr. Peanut, el estado eléctrico se convierte en más que una película de ciencia ficción; Refleja cómo la sociedad ha tratado históricamente a los que considera “otro”.

Millie Bobby Brown ofrece una excelente actuación.

En este punto de la película, identifiqué mucho más con los robots que con Keaton, un hombre cuyo enfoque principal es acumular cosas que cree que serán valiosas en lugar de apreciarlos por lo que son. La película presenta un claro contraste entre aquellos que explotan al mundo para obtener ganancias personales y aquellos que simplemente están tratando de existir dentro de él. Ya sea que se conecte más con Keaton o los robots dará forma a la forma en que interpreta el mensaje de la película. Aún así, en esencia, el estado eléctrico nos reta a considerar las consecuencias del consumismo sin control y la falta de empatía.

Brown ofrece una actuación fuerte y fundamentada como Michelle, equilibrando la vulnerabilidad y la determinación. Ella continúa demostrando que es más que capaz de llevar una película, aportando sin esfuerzo la profundidad emocional a un personaje atrapado entre el dolor y la supervivencia. Mirándola aquí, está claro que está en un punto de transición de su carrera, lista para papeles más maduros más allá de los protagonistas adolescentes. Su trabajo en Enola Holmes ya mostró su capacidad para liderar, y el estado eléctrico solo se dice que es una actriz con rango que puede crecer con sus roles.

La representación de Pratt de Keats no es del todo agradable, lo que, en este caso, funciona a favor de la película. Exuda un nivel de derecho y privilegio que lo convierte en un personaje interesante, aunque frustrante. No me importaba verlo asumir un papel en el que no está destinado a ser encantador o heroico. Si estuviera preocupado por ver esto debido a la participación de Pratt, tenga la seguridad de que su carácter no es exactamente alguien a quien apoyar.

Anthony Mackie como Herman también se destaca en uno de sus primeros papeles de voz importantes. Si bien su actuación aún lleva esa firma de Anthony Mackie Energy, la película Auto-Tunes su voz, lo que lo hace menos reconocible de inmediato a menos que sepa que está en ella. Él juega bien con el personaje de Chris Pratt, y su carisma lo convierte en un escalador de escenas, incluso como un robot.

Los villanos no están a la altura del resto de la película.

Si hay un punto débil, se encuentra en el camino de sus villanos, que no tienen suficiente tiempo como deberían. Esposito se siente desperdiciado en otro papel de villano débilmente escrito, principalmente confinado a una pantalla de realidad virtual. Aún más decepcionante, solo se vuelve relevante en el tercer acto cuando aprende una lección básica sobre la empatía. Quan está igualmente subutilizado, con un papel, por lo que cualquiera que cualquiera podría haberlo jugado.

Stanley Tucci interpreta a Ethan Skate, la figura de tipo Elon Musk de la película. Él encarna la codicia corporativa, pero al igual que los demás, es menos un verdadero antagonista y más un síntoma del verdadero villano de la película: el consumo y la falta de empatía. Mientras que ninguno roba el programa, su presencia refuerza el mensaje central de la película.

Desde un punto de vista técnico, el estado eléctrico se ve muy bien. Para una película de Netflix, el CGI es impresionante, y la construcción del mundo es inmersiva. Pero lo que realmente hace que la tierra de las imágenes es cómo refuerzan los temas de la historia. Ver los robots dispersos por todo el paisaje es como ver cadáveres. Son víctimas de una guerra que no solo las desmantelaron, sino que las eliminó.

Y cuando la masacre ocurre más adelante en la película, se siente inquietantemente similar a las atrocidades históricas, como la forma en que los colonos eliminarían las tribus nativas en la noche. La película no se inclina en esta comparación demasiado, pero si te toma en serio su premisa, es difícil no ver las implicaciones más profundas. Este mundo está lleno de destrucción, y si ves a los robots como personas o no dicta cómo te sientes acerca de dicha destrucción.

La película dibuja paralelos al mundo real.

El personaje en su centro también amplifica las apuestas de la historia. Christopher no solo es importante para Michelle, es esencial para el mundo mismo. La película establece que es más que un genio; Es una mente única en la generación, más inteligente que Einstein, la clave para todo.

La forma en que la película lo trata deja en claro que salvarlo no es solo una misión personal; Es necesario sobrevivir a lo que venga después. Y cuando la película termina, nos deja con esa pregunta, ¿qué viene después? El mundo todavía está roto. El daño se ha hecho. Entonces, ¿qué ahora?

Esa pregunta perdura mucho más allá de los créditos. Aquí en 2025, estamos viendo al mundo moverse a través de la crisis después de la crisis. Vemos cosas que se desmoronan en tiempo real. Y el estado eléctrico pregunta, ¿qué hacemos al respecto? La única respuesta es salir, conectarse con las personas, empujar y tirar, y luchar por algo. Porque si no lo haces, el mundo sigue girando, y alguien más decide lo que viene a continuación para ti.

El estado eléctrico es una experiencia visual fascinante con momentos de profunda belleza, pero su mayor fuerza radica en su profundidad temática. Plantea preguntas esenciales sobre cómo nos comprometemos con la tecnología, cómo enseñamos y experimentamos empatía, y cómo el consumismo puede distorsionar nuestra percepción de valor. Si bien algunos personajes se sienten suscritos, especialmente el villano de Giancarlo Esposito, todavía logra hacer que la audiencia piense. Es una película ambiciosa que, a pesar de algunas debilidades narrativas, logra ser atractivo y estimulante.

El estado eléctrico se está transmitiendo ahora en Netflix.